Du fauvisme et du cubisme, jusqu’à l’art déco, en passant par les Ballets russes et le ready-made… L’exposition « Le Paris de la modernité, 1905-1925 » au Petit Palais de Paris est un plaisir pour les yeux et l’esprit, et un véritable exploit.
Au travers de 400 œuvres, dont un vrai aéroplane de 1911 en face d’une roue de bicyclette de 1913 de Marcel Duchamp, la commissaire Annick Lemoine embrasse tous les mouvements artistiques qui sont nés entre 1905 et 1925 dans la capitale mondiale de l’art, sans oublier le rôle des femmes et de l’Afrique dans ce tourbillon de l’histoire de l’art. Même s’il reste encore à rendre visible les artistes africains ayant vécu pendant cette période dans la « ville-monde ». Entretien.
RFI : Pourquoi cette exposition Le Paris de la modernité, 1905-1925 est-elle inédite ?
Annick Lemoine : Le caractère inédit de l’exposition est cette approche pluridisciplinaire avec près de 400 œuvres. Nous montrons l’innovation dans tous les domaines artistiques, que ce soit la mode, la peinture, l’architecture, mais également le cinéma, la photographie, la danse, les Ballets russes et suédois, la photographie…
L’autre originalité est d’embrasser l’ensemble de la période, non pas uniquement avant-guerre ou après-guerre, mais de traiter aussi de la guerre, d’interroger le rôle des artistes pendant la guerre. Mais également le rôle des femmes. C’est un des fils rouges de l’exposition, le rôle des femmes en tant qu’artistes, modèles, inspiratrices, mais également l’évolution du statut de la femme, notamment à la suite de la Première Guerre mondiale.
Le choix du lieu de l’exposition, le Petit Palais, n’est pas anodin. La question de la géographie de cette « modernité » est très importante pour vous.
Quand on pense à la modernité dans ces années du début du XXe siècle, on pense toujours au quartier de Montmartre et au Bateau-Lavoir où se trouve la bande à Picasso. Ou bien au quartier de Montparnasse qui est le lieu de La Ruche où se retrouvaient les artistes russes, Chagall, Modigliani et plein d’autres. Mais on oublie un peu le rôle crucial du quartier des Champs-Élysées. Et c’est ce qu’on a voulu montrer : le quartier du Petit Palais comme lieu de présentation et de consécration des avant-gardes. Pour que l’avant-garde se fasse connaître et soit érigée au statut d’œuvre consacrée, il faut passer par le quartier des Champs-Élysées et ses salons : le Salon des artistes officiels, le Salon des indépendants, le Salon d’Automne… Au début, cela a lieu au Petit Palais, et ensuite au Grand Palais, avec le scandale des fauves au Salon d’Automne en 1905.
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L’exposition commence très fort avec des œuvres d’artistes célèbres comme Picasso ou Kees Van Dongen, mais aussi avec un autoportrait de Marie Laurencin.
Dans la première salle, on évoque le Bateau-Lavoir, ces ateliers et ces logements dans le cœur de Montmartre, où se retrouvaient autour de Picasso différents artistes, dont Marie Laurencin, une femme artiste très libre, dont on connaît aussi les goûts pour l’amour saphique. Au-delà de cet autoportrait assez classique, vous avez un portrait presque cubiste qui témoigne, notamment chez Marie Laurencin, comme chez tous les artistes du Bateau-Lavoir, de la fascination pour les arts extra-européens et notamment pour l’art africain et la simplification des formes et des traits du visage. Par exemple, ils étaient influencés par les masques de Côte d’Ivoire, très présents dans les ateliers, par exemple chez Picasso ou chez Vlaminck. Et nous présentons certains masques et statues africains provenant de la collection de Vlaminck.
L’exposition évoque aussi la création à Paris du Bal colonial (plus tard appelé « Bal nègre »), de « La Croisière noire », un rallye automobile sur le continent africain, de la Ligue universelle de défense de la race noire… Quel est le poids de l’Afrique et des artistes africains dans ce Paris de la modernité ?
L’importance est considérable et j’ai vraiment tenu à ce que ce soit extrêmement présent dans l’exposition. L’art africain, collectionné par les artistes, par les collectionneurs, par les mécènes de ces artistes, est partout présent, dès le début du XXe siècle. On le retrouve dans les ateliers de Picasso, collectionné par Vlaminck…
Il y avait la première exposition de ce qu’on appelait à l’époque « art nègre ». Les œuvres africaines étaient présentées en tant qu’œuvres d’art à part entière, avec un catalogue rédigé par Guillaume Apollinaire et des œuvres provenant de la collection de Paul Guillaume. La première fois qu’on expose des œuvres africaines dans le cadre d’une exposition en tant qu’œuvres à part entière, c’est en novembre 1916, dans la galerie Barbazanges [où Picasso montrait en juillet 1916 pour la première fois Les Desmoiselles d’Avignon, NDLR]. Et aux côtés des œuvres africaines, il présentait parallèlement des toiles, notamment de Modigliani.
Dans l’exposition, lorsqu’on le pouvait, nous avons toujours tenu à essayer de reconstituer les modalités d’accrochage qui étaient celles de l’époque, parce que cela traduit beaucoup de l’histoire du goût, mais aussi des modes de pensée des artistes ou des collectionneurs. C’est le cas de la collection d’André Breton où nous avons pu montrer la cohabitation d’œuvres africaines ou précolombiennes avec les œuvres surréalistes des artistes qui étaient proches de Breton.
Ou bien, dans la section consacrée à la toute fin de la Première Guerre mondiale, on sait que Picasso s’installe dans le quartier des Champs-Élysées, rue de la Boétie, avec sa nouvelle épouse Olga. Nous avons le témoignage de photographies de cet intérieur, où on voit cet extraordinaire portrait d’Olga, encadré de masques africains, mais aussi d’anciennes œuvres de Picasso.
Par rapport à cette première exposition d’œuvres africaines à Paris en novembre 1916, que sait-on de ces œuvres africaines ?
Ce sont des auteurs anonymes, mais ces œuvres sont quasi contemporaines, probablement de la fin du XIXe et début du XXe siècle. On sait exactement de quelle région elles proviennent et dans quel cadre et dans quels rites elles étaient utilisées.
Dans l’exposition, vous montrez aussi deux tableaux en lien avec l’Afrique : Soldats sénégalais au camp de Mailly (1917), de l’artiste franco-suisse Félix Valloton, et Les Soudanais (1919), de Mela Muter, artiste-peintre française d’origine polonaise.
Le tableau extrêmement beau de Vallotton montre des soldats sénégalais au repos, parce que, évidemment, la Première Guerre mondiale a mobilisé énormément de soldats et on a fait appel aux colonies pour venir renforcer les armées, dont les Sénégalais. Cela a été aussi l’occasion pour les populations et les artistes de croiser d’autres soldats et compatriotes venant de pays lointains. Cela a été aussi à l’origine d’une mixité qu’on va retrouver dans la vie parisienne après la Première Guerre mondiale. Donc, ce tableau montre les soldats sénégalais avec un uniforme classique, mais une toque sénégalaise rouge. Évidemment, ce sont aussi des objets de peinture et des traits colorés où il va jouer de ces taches de couleur rouge qui marquent le costume des soldats sénégalais.
Cette mixité et ouverture vers les autres cultures attirait aussi la danseuse américaine noire Joséphine Baker. Après son arrivée en France, en 1925, elle s’est soudainement vue non seulement pratiquement cesser d’être discriminée, mais devenir la star absolue de ce « Paris de la modernité ».
Elle est appelée dans le cadre de la constitution de « La Revue nègre » par le Théâtre des Champs-Élysées. Ils font appel à des danseurs et danseuses du music-hall américain. Ça fait sensation à Paris. À nouveau un scandale au Théâtre des Champs-Élysées. Au départ, Joséphine Baker n’était pas censée être la star de cette compagnie, mais elle le devient extrêmement rapidement. Et ce qui est extraordinaire, elle devient l’artiste la mieux payée à Paris, la plus célèbre !
Elle s’étonne elle-même de la liberté de mœurs qu’elle rencontre à Paris, et elle raconte toujours qu’elle est surprise de pouvoir être servie dans n’importe quel café, restaurant à Paris par des hommes blancs. Lorsqu’elle acquiert ce statut de star internationale, elle retourne aux États-Unis et se confronte à nouveau aux lois raciales qui sévissent encore aux États-Unis. Et elle est interdite d’accès dans certains hôtels ou restaurants, alors qu’à Paris, elle peut vivre sa vie de femme autant qu’elle le souhaite.
Pourquoi l’exposition finit-elle en 1925 ?
Nous avons choisi la date de 1925 pour terminer avec l’exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes. À nouveau, le quartier des Champs-Élysées va être l’acteur de la modernité. C’est la première exposition internationale après la guerre où va être inventée l’expression art déco et où ces formes d’art déco vont être présentées au public sous la forme de différents pavillons. Et nous avons choisi cette date aussi, parce que c’est un peu comme le chant du cygne pour une certaine priorité de Paris. C’est le moment où les formes d’art décoratif vont essaimer dans le monde entier, jusqu’à Rio de Janeiro, avec la célèbre statue du Christ rédempteur art déco.
À cette époque, il y avait aussi d’importants artistes africains à Paris. Pour ne citer que deux noms : Aina Onabolu (1882-1963), considéré comme le père de l’art moderne nigérian et qui avait étudié entre 1920 et 1922 à Londres et à l’Académie Julian à Paris. Et aussi Mahmoud Mukhtar (1891-1934), souvent honoré comme le père de la sculpture moderne en Égypte. Il s’est formé à partir de 1912 auprès d’Antoine Bourdelle et de Jules-Félix Coutan à l’École des Beaux-Arts de la ville de Paris. Or, l’exposition Le Paris de la modernité, 1905-1925, ne mentionne pas un seul nom d’un artiste africain. Y a-t-il encore une autre exposition à faire sur cette période ?
Ça pourrait. En fait, ce qui était terrible dans ce projet avec plus de 400 œuvres, c’est qu’il a fallu faire des choix cornéliens. On était obligé de couper, de faire des choix. Et on est aussi tributaire des prêts. Et on ne peut pas tout aborder. Donc, on a dû effectivement sacrifier certains pans, mettre de côté aussi. Ce sont des sacrifices terribles.
► Le Paris de la modernité, 1905-25, au Petit Palais de Paris, du 14 novembre 2023 au 14 avril 2024.
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